Эндрю Лумис (1892–1959), один из выдающихся художников-иллюстраторов Америки, а также один из лучших преподавателей рисунка и живописи, подробно освещает основы графического искусства.
Отобрав все самое ценное из своего огромного творческого и педагогического опыта, Эндрю Лумис создал пособия, которые сохраняют актуальность на протяжении многих десятилетий и сами по себе являются арт-объектами.
«В этой книге я рассматриваю фигуры как живые создания – разные типы движения связаны со строением. Мы будем рисовать обнаженные фигуры, чтобы лучше понимать, как рисовать их в одежде.
Думайте о фигурах как об объектах, обладающих массой и объемом, освещенных и потому обладающих тенью, – иными словами, объектах, помещенных в знакомое нам пространство. Научитесь видеть природу света – как он влияет на форму, на ее плоскости, падая в различных направлениях. Мы отдельно изучим голову человека и ее строение. Другими словами, здесь вы найдете основы, опираясь на которые вы будете рисовать оригинальные и убедительные фигуры человека. Интерпретация, типаж, позы, переживания, одежда и украшения – все будет за вами. Что бы вы ни рисовали – рекламу, иллюстрацию для книги, плакат или календарь, – основы не меняются. Техника не так важна, как обычно думают молодые художники. Жизнь и эмоции, идеалы, которые вы вкладываете в работу, гораздо важнее. И конечно, важен ваш вкус при выборе одежды и фона – при условии, что вы овладели основами. Даже самая модная одежда не смотрится на плохо нарисованной фигуре. Переживания и эмоции нельзя показать с неверным построением лица. Нельзя делать цветные иллюстрации без знаний о свете и оттенках, точно так же, как нельзя даже надеяться получить хорошую композицию, если вы не владеете знаниями о перспективе. Ваша задача как художника в рекламе – восхвалять и идеализировать то, что вас окружает. Моя же задача – помогать вам, пока не отпадет необходимость в моей помощи. После этого вы будете идти самостоятельно».

Лауреат Букеровской премии Джулиан Барнс – один из самых ярких и оригинальных прозаиков современной Британии, автор таких международных бестселлеров, как «Шум времени», «Предчувствие конца», «Артур и Джордж», «История мира в 10 1/2 главах», «Попугай Флобера» и многих других.
Своим первым опытом в жанре эссе об искусстве Джулиан Барнс называет главу нашумевшего романа-антиутопии «История мира в 10 1/2 главах» (1989), посвященную картине Теодора Жерико «Плот „Медузы“». Именно поэтому, уже как самостоятельное произведение, в сборнике «Открой глаза» она оказывается первой из семнадцати увлекательных коротких историй о художниках и их работах, приглашающих читателя проследить путь изобразительного искусства от начала XIX века до современности. В этих эссе есть все, что традиционно присуще прозе Барнса: великолепное чувство стиля, виртуозное равновесие едкой иронии и утонченного лиризма, сарказма на грани цинизма и веселого озорства. Но еще это собрание тонких, остроумных и порой неожиданных наблюдений, дарящих не только литературное удовольствие, но и богатую пищу для ума.

Мир искусства пугает, серьезно!

У него довольно напряженные отношения с популярностью и много вопросов, висящих в воздухе. Является ли произведение настоящим искусством?

По каким критериям мы оцениваем современное искусство?

Кто определяет эти критерии?

Как выглядит формула, определяющая успех произведения в обществе?

Действительно ли картины Моне, Ренуара и Дега красивые?

Почему большая картина дороже маленькой?

Давайте разберемся раз и навсегда. То, что мы чаще видим в книгах, СМИ, по телевидению, интернете и становится каноном нашей культуры.

Вы услышите громкое «Ого!», когда «Крик» Мунка уйдет с молотка за 120 млн. долларов, а неуклюжий китч, как например «Игроки в карты» Сезанна за 260 млн. Все должно быть одобрено и признано, критиками, коллегами, коллекционерами, зрителями.

Грейсон Перри – современный художник, обладатель премии Тернер и один из 100 самых влиятельных людей современного искусства как никто честно, изнутри расскажет обо всем, что вас волнует. Он задается теми же вопросами и со здоровым сарказмом и юмором подходит к ним. А как же иначе, ведь это и есть современное искусство!

Не упустите ни строчки!

Автор книги, всемирно известный художник Баррингтон Барбер, создал эффективный экспресс-курс для тех, кто хочет быстро научиться рисовать. В этой книге содержатся 50 картинок с пошаговыми примерами их рисования. Попрактикуйтесь, и вскоре вы поймете, что способны нарисовать практически все, что угодно!

Книга также содержит полезные советы, которыми в свое время пользовался и сам автор. Незаменимое пособие для всех начинающих художников.

С.В. Гиппиус – известный театральный педагог, режиссер дубляжа, кинорежиссер. Его самая известная работа «Гимнастика чувств. Тренинг творческой психотехники», состоящая из теоретической части и актерских упражнений, впервые вышла в свет в 1967 г. и вот уже 50 лет остается основным пособием театральных педагогов и используется в большинстве творческих ВУЗов.

Перед вами не просто атлас, а путеводитель по истории искусства. Вы сможете почерпнуть из него занимательную информацию о мировой живописи, скульптуре и графике с момента появления человека до настоящего времени. Поразительно удобная для восприятия структура атласа поможет не только разобраться в море событий, связанных с зарождением искусства на протяжении столетий, но и запомнить ход формирования эпох, в которых творили свои шедевры мастера прошлого.

Перед вами переиздание книги, молниеносно ставшей культовой как в Европе, так и в России.

В своем исследовании, рассчитанным на самую широкую публику, Пирошка Досси пытается раскрыть секреты системы, которая позволяет художникам зарабатывать миллионы и заставляет простых смертных возмущаться по поводу этих миллионов, полученных вроде бы «ни за что».

Привлекая данные из сферы экономики, социологии, психологии и истории искусства, Досси со знанием дела анализирует феномен торговли «вечными ценностями», саму суть этих «вечных ценностей», а также те изменения, которые происходят с артрынком в свете технического и социального прогресса.

По мнению автора, в наши дни, когда предметы искусства стали символами статуса, а мастерство автора перестало быть основным критерием оценки, исследовать механизмы круговорота шедевров и процесс ценообразования становится намного интереснее, чем в «классическую» эпоху.

«Картинки с выставки» – новая книга мастера нон-фикшн Александра Гениса («Довлатов и окрестности», «Камасутра книжника», «Обратный адрес»), затейливая и азартная прогулка для глаза и ума.

«Искусство, – признается автор, – затыкает в душе ту же дыру, которая приходится на религию. Они даже не спорят и требуют того же. Шедевры, как мощи святых, меняют тех, кто в них верит. И чем больше мы знаем о картине, тем больше мы хотим узнать о себе: о том, как будем чувствовать себя в ее присутствии. Живопись – трансформатор повседневности, и, деля с ним одно пространство, мы попадаем в силовое поле, преображающее жизнь в искусство».

Хочешь научиться рисовать, но не знаешь, с чего начать? Эта книга поможет тебе! Кто угодно сможет нарисовать модные платья и юбки, пользуясь инструкциями из этой книги. Рисуй одежду шаг за шагом и наслаждайся результатом. Вдохновение гарантировано!

Если вы не являетесь профессиональным художником, но очень хотите научиться рисовать животных, эта книга для вас. Благодаря ей вы усвоите основные правила рисования зверей. Метод, разработанный в книге, довольно прост: каждое животное можно изобразить схематично. Построение проходит в три этапа: зарисовка тела животного, проработка деталей и штриховка. В самом начале этого пособия художник расскажет об основных особенностях строения скелета животного, а также о том, как среда обитания и образ жизни влияют на формирование его тела. Рисовать животных – это не так уж сложно!

Эта книга стала результатом многолетнего практического опыта художницы и преподавателя Н. Щербаковой, в которой она с помощью пошаговых инструкций научит рисовать кошек карандашом, акварелью, акрилом и маслом. Следуя рисункам и описаниям, представленным в этой книге, вы обретете необходимое вам вдохновение.

Для Джин Хэйнс краски – это сокровища, а кисть – волшебная палочка, с помощью которой британская художница и преподаватель предлагает перенестись в необъятный сияющий мир акварели. Вас ждут эксперименты, необычные эффекты, пошаговые демонстрации и практические рекомендации. Освоив авторскую технику рисования в свободной манере, вы создадите по-настоящему неповторимые картины.

From the 18th century to the 20th, this book gives a panorama of Russian painting not equalled anywhere else. Russian culture developed in contact with the wider European influence, but retained strong native intonations. It is a culture between East and West, and both influences in together. The book begins with Icons, and it is precisely Icon-painting which gave Russian artist their peculiar preoccupation with ethical questions and a certain kind of palette. It goes on the expound the duality of their art, and point out the originality of their contribution to world art. The illustrations cover all genres and styles of painting in astonishing variety. Such figures as Borovokovsky, Rokotov, Levitsky, Brullov, Fedatov, Repin, Shishkin and Levitan and many more are in these pages.

Michelangelo, like Leonardo, was a man of many talents; sculptor, architect, painter and poet, he made the apotheosis of muscular movement, which to him was the physical manifestation of passion. He moulded his draughtsmanship, bent it, twisted it, and stretched it to the extreme limits of possibility. There are not any landscapes in Michelangelo's painting. All the emotions, all the passions, all the thoughts of humanity were personified in his eyes in the naked bodies of men and women. He rarely conceived his human forms in attitudes of immobility or repose. Michelangelo became a painter so that he could express in a more malleable material what his titanesque soul felt, what his sculptor's imagination saw, but what sculpture refused him. Thus this admirable sculptor became the creator, at the Vatican, of the most lyrical and epic decoration ever seen: the Sistine Chapel. The profusion of his invention is spread over this vast area of over 900 square metres. There are 343 principal figures of prodigious variety of expression, many of colossal size, and in addition a great number of subsidiary ones introduced for decorative effect. The creator of this vast scheme was only thirty-four when he began his work. Michelangelo compels us to enlarge our conception of what is beautiful. To the Greeks it was physical perfection; but Michelangelo cared little for physical beauty, except in a few instances, such as his painting of Adam on the Sistine ceiling, and his sculptures of the Pietà. Though a master of anatomy and of the laws of composition, he dared to disregard both if it were necessary to express his concept: to exaggerate the muscles of his figures, and even put them in positions the human body could not naturally assume. In his later painting, The Last Judgment on the end wall of the Sistine, he poured out his soul like a torrent. Michelangelo was the first to make the human form express a variety of emotions. In his hands emotion became an instrument upon which he played, extracting themes and harmonies of infinite variety. His figures carry our imagination far beyond the personal meaning of the names attached to them.

At fifteen, Turner was already exhibiting View of Lambeth. He soon acquired the reputation of an immensely clever watercolourist. A disciple of Girtin and Cozens, he showed in his choice and presentation of theme a picturesque imagination which seemed to mark him out for a brilliant career as an illustrator. He travelled, first in his native land and then on several occasions in France, the Rhine Valley, Switzerland and Italy. He soon began to look beyond illustration. However, even in works in which we are tempted to see only picturesque imagination, there appears his dominant and guiding ideal of lyric landscape. His choice of a single master from the past is an eloquent witness for he studied profoundly such canvases of Claude as he could find in England, copying and imitating them with a marvellous degree of perfection. His cult for the great painter never failed. He desired his Sun Rising through Vapour and Dido Building Carthage to be placed in the National Gallery side by side with two of Claude’s masterpieces. And, there, we may still see them and judge how legitimate was this proud and splendid homage. It was only in 1819 that Turner went to Italy, to go again in 1829 and 1840. Certainly Turner experienced emotions and found subjects for reverie which he later translated in terms of his own genius into symphonies of light and colour. Ardour is tempered with melancholy, as shadow strives with light. Melancholy, even as it appears in the enigmatic and profound creation of Albrecht Dürer, finds no home in Turner’s protean fairyland – what place could it have in a cosmic dream? Humanity does not appear there, except perhaps as stage characters at whom we hardly glance. Turner’s pictures fascinate us and yet we think of nothing precise, nothing human, only unforgettable colours and phantoms that lay hold on our imaginations. Humanity really only inspires him when linked with the idea of death – a strange death, more a lyrical dissolution – like the finale of an opera.

Icon painting has reached its zenith in Ukraine between the 11th and 18th centuries. This art is appealing because of its great openness to other influences – the obedience to the rules of Orthodox Christianity in its early stages, the borrowing from Roman heritage or later to the Western breakthroughs – combined with a never compromised assertion of a distinctly Slavic soul and identity.

This book presents a handpicked and representative selection of works from the 11th century to the late Baroque period.

В книге известной современной художницы Джульетты Аристид подробно описаны процесс работы над рисунком и все необходимые материалы и инструменты для его начала. Проанализировав общие составляющие всех гениальных рисунков, автор делится формулой успеха и рассказывает о методах и техниках, ведущих к мастерству. В конце каждой главы есть практический урок, который поможет закрепить полученные знания.

«Рисование фигуры человека» – это подробное руководство известного итальянского художника Джованни Чиварди. Книга состоит из нескольких разделов, изучать которые можно в любой последовательности: анатомия, наброски человека, обнаженная натура, голова и лицо, кисти и стопы, одежда. Чиварди щедро делится информацией об инструментах и техниках рисования, а также собственными профессиональными приемами. Руководство проиллюстрированно многочисленными работами автора.

Это самоучитель по рисованию для всех, кто безнадежно смотрит на свои художественные способности, но всегда мечтал красиво рисовать. Вы узнаете основные законы и приемы рисования и научитесь изображать любые объемные объекты не хуже профессиональных художников.

В книге представлены более пятисот карандашных рисунков, подробно иллюстрирующих каждый этап рисования. А также около ста студенческих работ, которые продвинут вас в обучении и помогут осознать собственное движение к успеху.

Изящные замысловатые рисунки, сделанные индийской хной на теле или предметах интерьера и внешне похожие на татуировки, называются мехенди. Традиционно мехенди является женским искусством, эти таинственные рисунки наделяют женщину сакральной силой, и каждая деталь в них имеет свое значение. Уже более 5000 лет женщины, рисуя мехенди на теле, украшают и защищают себя. Считается, что правильно подобранный рисунок защищает от стрессов, волнений и жизненных неурядиц. В этой книге вы познакомитесь с техникой нанесения тату хной, узнаете, какой смысл несут различные элементы мехенди, и научитесь комбинировать их и создавать собственные рисунки с глубоким значением.